La joyería en el renacimiento
A mitad del siglo XV se cambiaron los estilos de arte general en Italia. Los artistas comenzaron a inspirarse en el mundo griego y romano antiguo. Financiados por las familias reales de las extremadamente ricas ciudades italianas, muchos artistas pudieron dedicar sus vidas a su desarrollo personal de habilidad y estilo. La influencia clásica no fue tanto una copia de las técnicas, sino más bien un estilo general que se derivó de las esculturas antiguas.
La joyería no fue influenciada directamente; en aquellos días, casi ninguna joya antigua era conocida, aparte de los camafeos supervivientes que habían permanecido como objetos de moda durante la Edad Media. Técnicas antiguas como la delicada filigrana, todas las joyas de oro no fueron revividas, sino que fueron los temas clásicos y mitológicos los que proporcionaron el vínculo con el mundo antiguo. Los temas bíblicos de la Edad Media nunca perdieron su popularidad a lo largo del Renacimiento y continuaron proporcionando representaciones importantes para la joyería. Desde Italia, el estilo se extendió hacia el norte gradualmente a lo largo del siglo XVI, reemplazando lentamente el estilo gótico de la Edad Media.
Estilos y técnicas
Un nuevo estilo de arte era obvio, era la pintura y escultura y es a través de estas dos formas de arte que la joyería fue la más influenciada. Muchos grandes artistas del Renacimiento comenzaron sus carreras en talleres de orfebrería para aprender sobre la precisión de la línea y la claridad del estilo. Esto causó una estrecha relación entre el pintor, el escultor, y los orfebres y probablemente eso explica la excelente representación de la joyería en los retratos que se hicieron durante el Renacimiento. Estas pinturas nos permiten tener una visión sin precedentes de la joyería que se produjo durante este período, además del estudio de las pocas piezas sobrevivientes.
La nobleza europea se encontró en la necesidad de grandes sumas de dinero para financiar sus numerosas guerras y la joyería fue considerada como una riqueza portátil. Las numerosas descripciones de artículos empeñados proporcionan otra buena fuente para los investigadores de la historia de la joyería, en la que se puede obtener una buena idea de la joyería de la época.
Las piezas que sobreviven muestran una artesanía extraordinaria, pero, como se mencionó, es a partir de pinturas y diseños que comenzamos a materializar todo el esplendor de la joyería renacentista. Los orfebres se convirtieron en maestros de ciertas técnicas dentro de su oficio y la especialidad se convirtió en una virtud. No habría sido raro que una joya fuera diseñada por un pintor, y moldeado por un orfebre, grabado y esmaltado por otro y luego engastado con piedras preciosas por otro especialista.
Además de las dificultades para atribuir un artículo de joyería a un taller, incluso es difícil dividir las joyas del Renacimiento en grupos bien definidos según las áreas de producción. Los orfebres trabajaban en el extranjero y la disponibilidad internacional de diseños de joyería impresa causó una mezcla de estilos en la joyería en toda Europa.
El cambio en el diseño de joyas se extendió gradualmente desde Italia a Francia y luego a Alemania e Inglaterra siguiendo el nuevo estilo de pintura y escultura durante la primera mitad del siglo XVI. La escultura en miniatura en joyería es una consecuencia muy evidente de la influencia de las grandes artes en el diseño de joyas. Otro aspecto importante en el cambio y la difusión de los estilos de joyería fue el hecho de que los pintores comenzaron a producir diseños grabados para joyería que podían imprimirse y, por lo tanto, extenderse en gran número por toda Europa. Muchos de estos diseños han sobrevivido los últimos 500 años y muestran relaciones cercanas con el estilo artístico manierista.
Cuando el emperador de Habsburgo, Maximiliano I, se casó con Bianca Maria Sforza de Milán en 1494, su corte se abrió a las artes italianas. La propagación del Renacimiento a través del Sacro Imperio Romano fue un evento lento y gradual, y las joyas góticas continuaron siendo populares hasta lo más profundo del siglo XVI. Dicho esto, los maestros alemanes adoptaron el estilo del Renacimiento a mediados del siglo y sus ciudades se convirtieron en importantes centros de producción que atrajeron a orfebres y diseñadores de toda Europa. Augsburgo finalmente se convirtió en una de las principales ciudades de fabricación de joyas.
Gracias a Benvenuto Cellini Y al libro sobre “Los tratados de Benvenuto Cellini sobre orfebrería y escultura” tenemos una comprensión completa de las técnicas utilizadas por los orfebres del Renacimiento. Cellini ha hecho un excelente trabajo describiendo en detalle los métodos disponibles para el orfebre de la época. Leer su tratado es muy recomendable para aquellos que desean entender a fondo la orfebrería en el siglo XVI. Abarca el arte del niello, el trabajo de filigrana, esmaltado, encofrado de piedras, laminado, corte de diamantes, fundición, dorado y muchos otros aspectos del comercio de la orfebrería.
A principios del siglo XVII se inventó una nueva técnica de esmalte: la de esmalte en celdas o lo que se conoce como esmalte champlevé. Durante este tiempo también surgieron algunos nuevos estilos decorativos. Los diseños se volvieron más naturalistas y los patrones para la disposición de las piedras preciosas comenzaron a dominar. El renacimiento comenzó a dar paso al barroco.
Antes de la subasta, Bennet había comentado: «Es como el rosa champán»,
El nombre que le otorgaron los mixtecos a la plata, dai nuhu cuisi, quiere decir “el resplandeciente blanco”.
La filigrana es una técnica que puede rastrearse hasta las primeras civilizaciones; consiste en usar finos hilos de metal y, a partir de ellos, tejer entramados complejos. Su grado de belleza dependerá del maestro artesano; entre los trabajos más famosos destacan los árabes, que tejían hilos de oro a las telas con diseños geométricos.
